Categoría: Grandes músicos
17 Diciembre 2007
KITARO
CHALE MORVAN
En el presente se tienes grandes músicos, interpretes, compositores, imposible de ignorar, dado a su genialidad, calidad de su música, interpretaciones, como es el cao del japonés
El compositor de world music, Kitaro, que puede contar con un Golden Globe Avard, una nominación al Oscar, cinco nominaciones a los Grammy y dos docenas de albumes, es estimado principalmente por su habilidad en mezclar en su música varias influencias étnicas y culturales
Kitaro es una persona muy modesta. "La naturaleza me inspira. Yo sólo soy un mensajero ", señaló. "Para mí, algunos temas son como las nubes, otros son como el agua ".(febrero 2007). Desde 1983 su respeto por la naturaleza lleva a Kitaro todos los años a dar las gracias a la Madre Naturaleza con un “concierto” especial en el Monte Fuji o cerca de su residencia en Colorado. Un día de luna llena de agosto él toca un tambor Taiko desde el atardecer hasta el amanecer. Frecuentemente sus manos llegan a sangrar.
Entre 1983 y 1990 estuvo casado con Yuki Taoka (su primera esposa). Yuki es hija de Kazuo Taoka, el padrino de Yamaguchi-gumi, el sindicato Yakuza más grande de Japón. Kitaro y Yuki tienen un hijo, Ryunosuke, quien vive en Japón. Ellos se separaron porque Kitaro trabajaba la mayor parte del tiempo en los Estados Unidos y ella vivía y trabajaba en Japón. A mediados de 1990 Kitaro se casó con Keiko Matsubara, una profesional de la música que ha participado en varios de sus álbumes. Kitaro vivió con ella y el hijo de ambos en Ward, Colorado en una extension de 180 acres (730,000 m²) y compuso en su casa estudio de 2500 pies cuadrados (230 m²) la obra "Mochi House" (es lo suficientemente grande como para albergar a una orquesta de 70 componentes). Kitaro y Keiko se trasladaron posteriormente a Occidental, California.
El Japonés Masanori Takashi, conocido de forma internacional por su nombre artístico Kitaro, nació en 1953 en una zona agrícola Japonesa. Sus padres eran campesinos y ese era el modo de sustento de la familia. En contacto con la naturaleza desde su niñez, Kitaro adquirió pronto una sensibilidad ecologista. Atraído por la música clásica y el rock, la guitarra eléctrica fue el instrumento con el que empezó como músico. Su aprendizaje en el campo musical fue autodidacta.
En su época de estudiante formo un grupo llamado Albatross, con el que toco canciones cuyas letras, escritas por el, reflejaban de forma clara sus inquietudes ecologistas y filosóficas. A principios de los 70, incorporando los teclados a su talento interpretativo, paso a un nivel mas profesional al formar parte de la banda de rock sinfónico Far East Family Band. En el grupo solían producirse deserciones de miembros, circunstancia que les dejaba sin el interprete de un determinado instrumento durante algún tiempo. Ello propicio que Kitaro, capacitado con un obvio talento de multi-instrumentista, fuese aprendiendo a tocar cada uno de ellos. De esa forma, llegaría a ser no solo teclista y guitarrista, sino un magnifico percursionista e interprete de instrumentos como por ejemplo la armónica, con la cual algunos de sus solos en conciertos impresionaban a la audiencia.
Tal como lo relata es.geocities.com en 1972, la Far East Family Band viajo a Europa. Durante una sesión de grabación, Kitaro se encuentra con Klaus Schulze. El contacto con el le causo una profunda impresión, se sintió fascinado por el carácter de su música, y procuro pasar el mayor tiempo posible junto a el para aprender acerca de las posibilidades musicales de los sintetizadores. Cuando regreso a Japón, Kitaro ya sabia que es lo que andaba buscando para poder avanzar en su carrera artística. Dejo de interesarse por otros tipos de música y se concentro en plasmar sus ideas mas personales mediante los sintetizadores. Durante algún tiempo, estas tuvieron su cauce de expresión en la actividad de su grupo.
El año 1974 les trajo un gran éxito en Japón con Theory of hollow, propagándose también un poco a Estados Unidos y Gran Bretaña. El propio Schulze se intereso por la banda, ocupándose de la post-producción y las mezclas de su álbum Nipponjin en 1975. Revelado el grupo como una especie de Pink Floyd japonés, las ideas de Kitaro iban sin embargo mucho mas lejos.
El sintesista atravesó una intensa fase de búsqueda de su camino tanto artístico como personal, que estuvo marcada por un fuerte componente místico. Atraído por el budismo zen y por la religión sintoísta, entre diversas filosofías, su peregrinaje le llevo a la India y al Nepal. Después se alejo de toda aglomeración urbana, instalándose en un pueblo de pescadores.
Entretanto, sus ideas musicales habían tomado forma, y grabo su álbum Ten Kai, que fue publicado en 1978. A principios del año siguiente le siguió Daichi. Oasis, lanzado a finales de 1979, tuvo una difusión mucho mas internacional, descubriendo a Kitaro como un nombre que se debía tener en cuenta. Fue sin embargo en los años 80 cuando el artista se consagro como estrella. El primer éxito que le catapulto a la fama fue su banda sonora para la serie documental La ruta de la seda. Su excelente e imaginativa música despertó tanto interés que se publico en varios discos aparecidos a partir de 1980. Se hizo incluso una versión orquestal.
Kitaro empezó a realizar giras, en tanto seguía preparando nuevos trabajos. A todo ello se le unían varios albunes recogiendo sus conciertos, algunas bandas sonoras, y recopilaciones de temas. En solo tres años, de 1980 a 1983, publico una quincena de discos. A esas alturas ya había saltado a la prensa internacional, incluyendo la norteamericana. Se le consideraba un artista revelación, un genio de los sintetizadores capaz de desbancar a todos los occidentales que hasta entonces habían monopolizado la Música Cósmica.
A finales de los 80, con apenas 10 años de carrera en solitario, ya era una estrella y un baluarte de New Age, con millones de discos vendidos en todo el mundo, y diversas distinciones o nominaciones en la categoría New Age, incluyendo los Grammy.
En sus primeras obras, Kitaro se había orientado con preferencia hacia los planteamientos de la Música Planeadora, empleando sintetizadores y secuenciadores para forjar piezas de clara identidad electrónica, con exóticos sonidos, y radicales construcciones rítmico-melódicas.
También se apreciaba una fuerte herencia de la música
tradicional Japonesa y de variadas influencias orientales, entre ellas la hindú. Algunas de sus canciones de esa época constituyeron impactantes sorpresas en Occidente, al estar acostumbrado el publico de aquí a relacionar lo electrónico con lo occidental, y encontrarse con sofisticada música electrónica de clara estructura oriental.
Wikipedia, agrega sobre él, que agrega sobre él, que Inspirado por la música del R&B de Otis Redding, Kitaro aprendió por su cuenta a tocar guitarra. A este respecto él señala, "Nunca tuve una educación musical, solo aprendí a confiar en mis oídos y en mis sentimientos (sensibilidad)." Él atribuye sus creaciones a una fuerza que está más allá de él. "Esta música no proviene de mi mente," señala. "Es del cielo, pasa a través de mi cuerpo y sale por mis dedos convirtiéndose en una composición. A veces me maravillo. Nunca practico. No leo ni escribo música, pero mis dedos se mueven. Me pregunto, '¿De quién es esta canción?' Escribo mis temas pero no son mis temas."(febrero 2007)
Mientras asistía al Toyohashi Commercial High School (Colegio Secundario Comercial Toyohashi), organizó con unos amigos la banda "Albatross". En esa época , ellos tocaban en fiestas y clubes. "En enseñanza secundaria, yo formaba parte de una banda de aficionados. Comencé tocando guitarra pero luego me cambia a los teclados. Antes de una de nuestras actuaciones, el baterista se accidentó, yo no tenía ninguna experiencia tocando batería pero tuve que aprender porque era el líder de la banda y teníamos que tocar batería en esa oportunidad. Mi desempeño no era muy bueno pero tuvimos que hacer la actuación completa. Después, el bajista sufrió una lesion y tuve qwue aprender a tocar el bajo. Esos accidentes son la razón principal del por qué sé tocar esos instrumentos; hice un curso relámpago para aprender a tocarlos. Fue una época difícil para mí pero a la vez, una muy buena experiencia. Creó la base del conocimiento que poseo de todos los instrumentos que uso y necesito para crear mi actual tipo de música. Después de terminar el colegio, yo realmente quería estar en el negocio de la música, así que me fui a Tokio y comencé a buscar bandas donde tocar. Básicamente lo hice para adquirir experiencia y para acostumbrarme a todos los clubes disponibles en Tokio y Yokohama. En esa época yo tocaba teclados, y luego descubrí el sintetizador. Este fue una revelación. Primero que todo, las instrucciones del instrumento estaban en inglés, así que no podía leerlas. ¡Trataba de producir sonidos pero no podía! Trataba durante todo el día pero no salía ningún sonido porque no sabía cómo programarlo ni como instalarlo. Finalmente, el primer sonido que salió de ese aparato fue un sonido parecido al del viento pero yo estaba tan eufórico, porque había logrado en realidad producir un sonido, que no me importó. Giré lentamente una de las perillas para hacer más del mismo sonido pero ahora como ruidos. Luego decide comprar otro sintetizador para crear un tipo diferente de sonido. Simplemente, me encantó el sonido análogo que hacía como si lo comparamos ahora con el sonido digital de hoy. Ahora, mi equipo y sintetizadores son todos análogos. Pero técnicamente, el sonido digital es mucho más fácil de usar para editar y otras cosas." (febrero 2007)
Sus padres fueron los primeros en oponerse a que su hijo siguiera la carrera musical. Ellos tenían otros planes para él y en un intento para que desistiera, hicieron arreglos para que tomase un trabajo en una empresa local. Si embargo, él se fue de su casa sin avisarle a sus padres. Se mantuvo a sí mismo haciendo trabajos de medio tiempo tales como cocinar y trabajos en la administración pública mientras componía sus temas durante las noches
racocatala.ca, nos agrega, que h
oy en día la música de Kitaro es cada vez más progresista, llena de toques innovadores. Escrita, arreglada y producida por el mismo, crea un estudio profundo de los contrastes, que se inspira en la naturaleza y el espíritu. Gracias al sonido de los instrumentos exoticos japoneses, tibetanos africanos y los de los nativos americanos junto a instrumentos más comunes como la guitarra la flauta y el tambor. Su música chispea unmomento y retumba después. De vez en cuando calmada y excitante, atonal y rítmica, orquestalmente rica y dramática, siempre asombrosamente intima, tiene la capacidad de llevar al oyente a un viaje musical que lleva muy lejos, dibujando melodías orientales y occidentales y algunas veces se adelanta más allá que éstos.
Kitaro señala que su objetivo es el de expresar mis sentimientos con la música y de ampliar constantemente su ser diferente, convirtiéndome con músicos de otras culturas.
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17 Diciembre 2007
CHALEMORVAN
En esta época no se puede ignorar el genio musical del griego Yanni Chryssommallis, que a través de sus composiciones, arreglos, conciertos que nos ha legado, ha demostrado su gran capacidad creativa y nos hace disfrutar una magnifica música, propia de la época
Yanni Chrysomallis nació un 14 de Noviembre de 1954 en Kalamata, Grecia. De niño, dominaba el piano sin tomar lecciones para ello, y en el tiempo libre, tocaba canciones que oía en la radio o en películas, e intentaba reconstruírlas. Vivió en Kalamata, Grecia, hasta terminar la escuela secundaria. A la edad de 14 años rompió el record nacional de natación en "estilo libre" en Grecia.
Tal como lo comenta Wikipedia, de niño dominaba el piano, aunque no cursó lecciones para este instrumento. En su tiempo libre interpretaba canciones del momento. Vivió en su Grecia natal hasta los 14 años y tiempo después, a los 18 años, se estableció en los Estados Unidos para luego dar a conocer su nuevo sistema de notación musical.
En su juventud fue un buen nadador y llegó a romper un récord nacional en Grecia. También desempeñó trabajos como psicólogo gracias a sus trabajos acerca de Sigmund Freud, de quien es admirador, y recibió la titulación en esa especialización en la Universidad de Minnesota.
Su música, de carácter instrumental y melódica es de tipo orquestales. Sus temas se han utilizado como bandas sonoras para el cine, la televisión, los torneos, el teatro y los Juegos Olímpicos. Ejemplo de ello es la canción "Aria", procedente de su primer álbum nominado para un Grammy Dare to dream, y popularizado en el anuncio comercial de British Airways, o películas como I love you perfect. La expresividad de sus melodías al teclado e instrumentación las han llevado a ser consideradas dentro de lo que se denomina Efecto Mozart.
Sus composiciones también incluyen baladas románticas.
Su mayor éxito comercial se produjo con la presentación de su álbum y vídeo, "Yanni Live at the Acrópolis", filmado el 25 de septiembre de 1993 en el teatro de Herodes Atticus, con 2.000 años de antigüedad, en Atenas, y editado en 1994. El concierto, situado en un entorno arquitectónico protegido por las entidades culturales de este patrimonio milenario, fue autorizado de forma extraordinaria y exclusiva, debido a las implicaciones del sonido, por las autoridades griegas. Este fue su primer álbum en directo y utilizó una magnífica y compleja orquesta, además de sus propios intérpretes. Bajo la supervisión del director Shardad Rohani, y la Orquesta Filarmónica Real, realizó un concierto magistral. Tal como Shardad Rohani expresó al final del concierto, la más mágica interpretación jamás oída. Posteriormente, el concierto fue retransmitido en Estados Unidos en el Public Broadcasting Service, y rápidamente llegó a ser uno de sus programas de mayor popularidad. Se ha mantenido constante en los ratios mundiales desde su presentación y es el segundo vídeo de mayor éxito de ventas musicales de todos los tiempos. Se llegaron a vender a nivel mundial, más de 10 millones de copias.
Composiciones como "One man´s dream" o "Until the last moment" son versiones mejoradas de anteriores producciones. Estas composiciones, junto a piezas recientes como "If I could tell you", han situado al autor entre uno de los principales productores musicales del siglo XX y XXI. Su producción lo sitúa en el marco de los grandes compositores musicales de todos los tiempos.
Con motivo del quincuagésimo aniversario de la República Popular China, fue el primer músico que actuó en la Ciudad Prohibida. Este concierto está recogido en el álbum Tribute junto a las interpretaciones en el Taj Mahal de la India construído en el siglo XVII.
El concierto refleja la madurez de su experiencia interpretativa, contando con prestigiosos músicos internacionales al igual que en su concierto en la Acrópolis, en los que se ha destacado la virtuosa violinista Karen Briggs.
Pocos compositores utilizan en sus conciertos una instrumentación tan variada, compleja y completa.
Tiempo después grabó su duodécima producción, en el 2000, con el nombre de If I Could Tell You, volviendo a cautivar a su público con nuevos ritmos, influido por su última gira realizada por Asia oriental, resaltando composiciones como "On Sacred Ground", "Wishing Well" y "If I Could Tell You
Recientemente realizó una gira mundial llamada "Yanni Live! world tour" a la que dedicó alrededor de dos años viajando por los Estados Unidos de América, Canadá y México.
Según sus managers y por su propios comentarios, tiene pensado realizar un concierto especial y solemne en las pirámides de Teotihuacán, en México; está a la espera de la aprobación y concesión por las autoridades del país.
Tras pasar casi 8 años sin sacar a la venta un CD en directo, Yanni regresa en Otoño de 2006 con la presentación de una nueva producción grabada en directo dentro de su última gira de 2004, en Las Vegas.
Yanni realizó hace unos años una composición dedicada a su madre, llamada Felitsa, quien murió el 20 de mayo de 2006 en su tierra natal, Kalamata.
El 15 de agosto de 2006 presentó una nueva producción, "Yanni Live The Concert Event", y después en septiembre un DVD, y tiene prevista una gira para el 2007
En lo personal recomiendo escuchar, ver ese DVD genial y disfrutar su maravillosa composiciones tocada por una maravillosa compuesta formada de geniales interpretes que lo harán disfrutar un buen rato.
En fin, se dice que sus románticos números de pop al piano fueron muy bien acogidos por el público adulto contemporáneo, desde su álbum de debut, "Keys to Imagination" (1986), hasta "In the Mirror" (1997). Por supuesto, su relación con la estrella Linda Evans de "Dinastía" aumentó en gran medida su popularidad en los medios de comunicación.
Definitivamente hay que escuchar las colm posiciones de este genio de la new age, no lo descuide
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5 Noviembre 2007
Antonio Vivaldi
CHALEMORVAN
Compositor italiano. Nació en Venecia. Hijo de Giovanni Battista y de Camilla Calicchio, heredó del padre la pasión por la música y también el color rojo del pelo, por lo que fue más tarde llamado il prete rosso (el cura rojo).
Vivaldi nos dejo música para ser disfrutada, especialmente todo lo concerniente a la naturaleza, música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana -a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello- y equiparable, por la calidad y originalidad de su aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel
Tal como lo señala la enciclopedia Wikipedia, fue Compositor del alto barroco, apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 concerti y 46 óperas; especialmente conocido a nivel popular por ser el autor de Las cuatro estaciones .
Se agrega, que su padre, el violinista Giovanni Batista Vivaldi, fue su primer maestro, otro de los cuales fue, probablemente, Giovanni Legrenzi. El 18 de septiembre de 1693 ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. En 1699 fue nombrado Subdiácono (4 de abril), luego Diácono (18 de septiembre de 1700) y finalmente ungido sacerdote el 23 de marzo de 1703. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, eventualmente logró se le permitiera dejar de decir misa por razones de salud.
El Padre de Antonio Lucio Vivaldi, el violinista Giovanni Battista, apodado Rossi (el Pelirrojo), fue miembro fundador del Sovvegno de’ musicisti di Santa Cecilia, organización profesional de músicos venecianos, así mismo fue violinista en la orquesta de la basílica de San Marcos y en la del teatro de S. Giovanni Grisostomo.
Poco se sabe de su infancia de Vivaldi. Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, el pequeño Antonio se inició en el mundo de la música probablemente de la mano de su padre. Orientado hacia la carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de una enfermedad bronquial, posiblemente asma.
También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della Pietà, una institución destinada a formar muchachas huérfanas. Ligado durante largos años a ella, muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su orquesta femenina. En este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate da camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman la colección L'estro armonico Op. 3, publicada en Amsterdam en 1711.
Con ellas, Antonio Vivaldi alcanzó renombre en poco tiempo en todo el territorio italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto del continente europeo, y no sólo como compositor, sino también, y no en menor medida, como violinista, uno de los más grandes de su tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas de sus conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico en este campo.
Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi, a pesar de que su condición de eclesiástico en principio le impedía abordar un espectáculo considerado en exceso mundano y poco edificante. De hecho, sus superiores siempre recriminaron a Vivaldi su escasa dedicación al culto y sus costumbres laxas.
Se comenta que importante aportación del músico veneciano fue el desarrollo del Concierto para Solista, estructurado por el Solli, Ripieno y Bajo continuo (Tutti) que a diferencia de su antecesor el concierto grosso logra un desarrollo contrapuntístico y armónico más fluido. Vivaldi compuso desde conciertos para un solista hasta mas de una docena de solistas. Esta forma musical barroca es una redistribución de las fuerzas orquestales del tutti y del ripieno en dos bloques fundamentalmente desiguales, que oponen un tutti masivo a un solista indomable, solli y orquesta se encuentran, se entremezclan o chocan en todas sus obras concertantes, el solista instrumental de los conciertos vivaldianos no deja nunca de ilustrar la lucha perpetua del solitario contra un grupo al que desea eludir y penetrar, seducir y dominar al mismo tiempo
Se agrega que Vivaldi fue violinista de la época, padeciendo de asma desde la infancia. En 1703 es ordenado sacerdote, pero no siempre puede cumplir con sus obligaciones debido a su afección respiratoria aunque fue común en la época acusar a Vivaldi de abandonar el oficio de la Misa por atender su inspiración. Hombre vanidoso y obsesionado por el dinero, entra curiosamente como Profesor de Violín en el Hospicio de la Pietá impartiendo clases a niñas huérfanas, llegando a ser en 1716 Maestro de Concerti de Venecia. Dos años después, 1718, se traslada a Mantua donde es nombrado Maestro de Capella, puesto que mantiene hasta 1720.
Su opus 8, Il Cimento dell'Armonia e del'Inventione aparece en 1725, obra en la que destacan sus cuatro primeros conciertos conocidos como Las Estaciones.
Entre 1729 y 1733 viaja por toda Italia llegando incluso a Praga, volviendo a ocupar el cargo de maestro de Capella en la Pietá.
Durante su vida fue más conocido como violinista que como compositor, siendo rápidamente acusado de repetitivo y rutinario. Su redescubrimiento no acontece hasta el comienzo del s. XX No obstante fue el primer compositor en utilizar profusamente la técnica del ritornello y convertir la estructura en 3 movimientos en el estandar de los conciertos, dejando escritos más de 230 conciertos para violín en los que destacan sus orquestaciones y sus efectos coloristas para la orquesta. Su obra de cámara, sin embargo, es más conservadora.
Karadar.com nos relata que Vivaldi a pesar de sus casi setenta años de vida totalmente dedicados a la composición y a la interpretación, murió prácticamente pasado de moda, si bien resistió más años que otros contemporáneos suyos
El resurgir de Antonio Vivaldi se debe al gran interés despertado en los estudiosos por otro gran ilustre abandonado: Johann Sebastián Bach. Se agrega, que cuando en 1913 el musicólogo Marc Pincherle decidió dedicar su tesis doctoral a Vivaldi, su proyecto fue casi una muestra de arqueología musical. De aquel compositor olvidado sólo se conocían entonces algunas obras poco estudiadas y raramente interpretadas, procedentes fundamentalmente de antologías impresas. Aquellos vestigios justificaban, sin duda, que el nombre de su autor siguiera apareciendo en los libros de historia de la música, donde se le condenaba con citas lapidarias y juicios sumarios pronunciados por Gerber, Hawkins, Burney u Orloff, historiadores y musicólogos alemanes e ingleses que, como haría más tarde Stravinsky, juzgaban una obra que no habían examinado ni escuchado. En cualquier caso, los pocos conciertos conservados parecían entonces demasiado modestos como para dedicar a Vivaldi una investigación universitaria. De ese modo, el enterramiento de quien había sido conocido en Venecia con el apodo del “cura pelirrojo” era casi completo.Un hecho curioso fue que en 1737 el cardenal Rufo de Ferrara impidió a Vivaldi que entrara en la ciudad, porque iba acompañado por la cantante Giraud y por otras mujeres amigas. Protestó Vivaldi de su inocencia en una carta a Bentivoglio, declarando que aquellas personas le eran indispensables para cuidar su salud. Después de 1740 dejó definitivamente Venecia. Desgraciadamente, desde ese momento no se tienen noticias dignas de crédito sobre el resto de su vida. Muere pobre en Viena en un hospital.
Vivaldi moría en Viena el 26 ó 27 de julio de 1741 en extrañas circunstancias. Había dedicado su vida a tres aspectos relacionados con la música: como pedagogo consiguió una alta capacitación de la orquesta de la Pietá, así como la formación de discípulos que trasmitieron sus obras y su técnica instrumental por toda Europa; como compositor, dejó un legado de más de 500 obras, de una calidad que reconoció rápidamente J.S. Bach, y como empresario, tomó a su cargo la responsabilidad económica de muchas obras propias y ajenas.
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19 Octubre 2007
CHALEMORVAN
Niccolo Paganini ha dado mucho que hablar sobre su genialidad e interpretación de la música clásica.
Al respecto, filomusica. com. nos señala, queNiccolo Paganini, este es el nombre de un genial músico italiano nacido en Génova hacia 1782. Su infancia puede asemejarse a la de otro niño prodigio dominado por un padre con aspiraciones excesivas: La del compositor austriaco Wolfang Amadeus Mozart. En efecto, sus primeros años de vida transcurren bajo el duro sometimiento al estudio prolongado y diario del violín. Después de esta dedicación exclusiva al instrumento, consigue dominarlo por entero y con tan sólo 13 años alcanza una inmejorable técnica y brillantez que rebasaban los límites del virtuosismo. Su carrera concertística es imparable ya una vez lejos del yugo paterno. A partir de ahí el artista despliega una intensa actividad de giras europeas que eran vividas como verdaderos acontecimientos culturales.
En esta oportunidad nos concretamos es resaltar algunas notas relevantes
Sobre este extraordinario músico
· Nicolo fuera un virtuoso del violín. Los estudios de teoría fueron confiados a A. Cervetto. En 1790 su desarrollo como compositor e intérprete le permiten estrenar su Sonata para violín y piano. En 1796 recibe las últimas lecciones de violín con Rolla en Parma.
· El efecto que causaba entre el público era tan asombroso que llegaba a impresionar no sólo a melómanos sino también a músicos ya consolidados de la época tales como Chopin, Schumann, Schubert o Liszt.
· Al parecer no era únicamente su dominio técnico o interpretativo lo que sorprendía sino toda una serie de gestos y maneras que transformaban al violinista durante su actuación. Prueba de este magnetismo tan evidente era toda una puesta en escena que él mismo creaba para dar color a sus peculiares recitales.
· Era tanto su personalidad creativa y artística, y tan descomunal su poderío sobre el instrumento, que se ha creído ver en él la imagen del mismísimo demonio. En torno a ello han circulado varias leyendas de carácter diabólico así como opiniones tan válidas como las del propio Goethe: "En Paganini se revela en grado extremo el demonismo".
· Lo que sí es perfectamente demostrable, al margen de la mera opinión, es el sentido revolucionario con que irrumpe en el campo instrumental de la Historia de la Música, con todo lo que ello conlleva en el terreno interpretativo y emocional. Se podría establecer sin vacilar un antes y un después con relación al músico italiano. Las salas de concierto vibraron con su calor humano. El público llegaba a conectar directamente con la música que emanaba de su relevante carisma y sentido musical. Entonces, la interpretación triunfaba plenamente en toda la extensión de su palabra produciendo en el oyente la catarsis.
· Una noche luego de finalizar la dirección de su obra Haroldo, Héctor Berlioz, se encontraba extenuado cubierto de sudor y tembloroso, cuando en la puerta de la orquesta se acercó Paganini (que había ido a escuchar éste concierto por primera vez) seguido por su hijo Aquiles, gesticulando vivamente. Debido a la enfermedad de la laringe que habría de causarle la muerte, ya había perdido totalmente la voz y sólo su hijo podía oír, o más bien adivinar, sus palabras cuando no se encontraba en un lugar absolutamente silencioso. Hizo señas al niño, quien se subió a una silla y colocó su oído al lado de la boca de su padre escuchándolo atentamente. Luego, Aquiles, bajando de la silla y volviéndose hacia mí, me dijo:
--Mi padre me ordena asegurarle, señor Berlioz, que en toda su vida no ha sentido, en un concierto, la impresión que sintió hoy; que su música lo ha trastornado y que si no se contenía, se pondría de rodillas delante de Ud. para agradecerle.
A éstas extrañas palabras esbocé un gesto de incredulidad y de confusión, pero Paganini, tomándome de un brazo se esforzaba por decir con su voz ronca: ¡Sí!, ¡Sí! y me arrastró al teatro donde aún se encontraban muchos de mis músicos y se puso de rodillas y me besó la mano. No es necesario que diga el aturdimiento que me sobrecogió; cito el hecho nada más…
· En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con otros instrumentos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y hermana de Napoleón. En 1813 abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de interpretar atrajo la atención de quienes le escuchaban. En 1828 fue a Viena, más tarde a París y en 1831 a Londres. En París conoció al pianista y compositor húngaro Franz Liszt, que, fascinado por su técnica, desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. En 1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola y orquesta; el compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca la interpretó. Renunció a las giras en 1834
· Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas de violín (retirando primero las otras tres, de manera que éstas no se rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban. Además en la mayoría de sus espectáculos usaba la improvisación. Esto indica lo cercano que estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras incluyen veinticuatro caprichos para violín solo (1801-1807), seis conciertos y varias sonatas. Además creó numerosas obras en las que involucraba de alguna manera a la guitarra, exactamente unas 200 piezas.
· Como curiosidad se dice que, estiradas, sus manos medían cuarenta y cinco centímetros. Esto se le atribuye a que padecía de Aracnodactilia, quizás generada por sufrir del Síndrome de Marfan, aunque la creencia popular dicta que la extraordinaria longitud de sus dedos se debía a las horas dedicadas a la práctica del violín. También se le encontraron en la casa 5 violines Stradivarius y 2 Amati.
· Su salud se fue deteriorando por un cáncer de laringe que le hacía perder la voz a pasos agigantados y la sumistración de mercurio a la que era expuesto por recomendación de su médico; murió en Niza el 27 de mayo de 1840.
· En 1801 concluye un ciclo de giras por toda Italia y se sumerge en el silencio durante 4 años. En 1805 reaparece en Luca (Italia) donde se hace cargo de la orquesta formada por la princesa Elisa Baciocchi. La falta de perspectivas artísticas y económicas de la localidad le hacen abandonar el puesto en 1809 para embarcarse en una carrera de virtuoso que le habrían de llevar por toda Europa y que le habría de proporcionar una de las mayores fortunas de la época y no poca fama de avaricioso. En 1824 contrae matrimonio con Antonia Bianchi, de la que nace un sólo hijo, Achille.
· En 1828 se establece en Viena, donde conoce a Frederick Chopin. En 1833 debe regresar a Italia aquejado de problemas nerviosos. En Parma se hace cargo de la orquesta del ducado, pero sus peticiones económicas y artísticas fueron un problema para los administradores, que rescindieron el contrato en 1836.
· Sobre Paganini se crearon numerosas leyendas que él mismo se negó a desmentir, unas veces porque le divertían y otras porque estas mismas le hacían tal publicidad que siempre llenaba los teatros. Una de estas leyendas contaba que había hecho un pacto con el demonio. También se dijo que en su violín encerraba el alma de mujeres de hermosa voz, ... Esta fama demoníaca llegó hasta el lecho de muerte, cuando se negó a ser asistido por un sacerdote. Tras la muerte fue la Iglesia la que le negó sepultura en camposanto, por lo que el féretro que lo contenía deambuló de un lado a otro hasta que en 1845 la duquesa de Parma autorizó el enterramiento.
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